Desde el pop futurista de Camila Moreno, pasando por la cantautoría de Angelo Pierattini y Mon Laferte, hasta el sonido urbano de Ceaese y DrefQuila. El equipo de Solo Artistas Chilenos seleccionó 17 álbumes de artistas nacionales que se ganaron un espacio especial en nuestra playlist.
Camila Moreno – “Rey”
Si el mundo se estuviera acabando entre cyborgs y caos, sonarían de fondo los 20 tracks de “Rey”. La placa fue una de las más esperadas de la música chilena para este año y con justa razón: la apuesta por sonidos electro-pop y una cautivante línea narrativa, además de ser material nuevo de la artista después de cinco años, hacen que este lanzamiento sea uno de los más relevantes en el 2021.
Con un sonido alejado del folk que tanto la caracterizó en 2009, Camila Moreno vuelve en un sonido que combina el pop romántico con la electrónica futurista, muy a tono con el tópico de ciencia ficción que se toma por completo el trabajo. En esta línea, el relato narrativo que lo cruza juega también un papel fundamental: la historia de amor entre un cyborg y una mutante de origen mapuche hace que “Rey” sea uno de los álbumes más relevantes del último tiempo y abre una nueva temporada en la carrera musical de la cantante, una en la que juega con los límites de lo posible y lo expresa en forma de música que pone la piel de gallina. Por Makarena Sierra.
Karla Grunewaldt – “Para Existir”
Karla Grunewaldt es una de las voces y propuestas artísticas más interesantes del último año en la música chilena. Esta joven artista, que comenzó su carrera musical publicando covers en YouTube, encontró su refugio a través composiciones propias en un estilo musical que, en términos estrictos, es difícil de definir. Instrumentos folclóricos, teclados, armonías vocales, guitarras y hasta sonidos orquestales convergen en este mundo sonoro plasmado en su álbum debut, “Para Existir”. Al escuchar canciones como “Desatar”, “Ahora es tiempo” o “Cegando el corazón” es inevitable pensar en nombres internacionales como Florence + The Machine, Aurora o los primeros trabajos de Lorde y Lana del Rey. Por otra parte, hay una propuesta que no sólo involucra lo musical, sino que también existe un material audiovisual interesante que se refleja principalmente en sus videoclips, donde la muestran como un personaje casi sacado de un cuento de hadas. Por Cristóbal Galleguillos.
Manuel García – “Compañera de este viaje”
En este larga duración, Manuel García deja de lado ciertos matices que poseían sus trabajos anteriores para embarcarse en un disco de folclore nacional con tintes de nueva trova interpretado únicamente por su voz, y precisamente con su eterna compañera: la guitarra. Trabajado desde el encierro por la pandemia, este disco aflora como un “renacer tras la tormenta” que fue este 2021, un año de temor e incertidumbre, plagado de noticias tan difíciles de ver como de escuchar.
Paradójicamente, al dejar de lado algunas sonoridades de sus últimos discos logró emprender un viaje de regreso a sus raíces, con un estilo influenciado por Silvio Rodríguez y Violeta Parra, entre muchos otros entrañables más, al cual le imprime su sello propio entregándonos 13 canciones tan personales e íntimas, que resulta difícil no conectar en corazón con ellas. Por Vladimir Núñez.
Cuáles i Quiénes – “Mañana siempre es tarde”
Este es el esperado larga duración de la banda originaria de Temuco, quienes nos traen uno de los trabajos más ambiciosos de este año. El tipo de sonoridades que manejan y lenguajes musicales principales combinan el folk-rock con el pop-rock. Aunque lo van haciendo de manera que nos regalan sorpresas a medida que va pasando cada tema. A ratos aparecen sonidos más “grooveros” , a ratos sale el lado más folclórico. Incluso hay una pieza de piano que tiene un sentido de música más docta.
Por cierto que este tipo de música necesita gran performance. Y vaya que es así. La instrumentación es de primer nivel. Las voces también están increíblemente bien trabajadas. Y la producción permite que la fluidez de este trabajo sea sólida. Definitivamente este ha sido un gran año para el mundo del rock chileno y para nosotros Cuáles i Quiénes son una de las bandas que lleva la bandera en conjunto a otras que han aprendido de sus predecesores, pero que le dan un baño de frescura. Por Profesor Rayado.
Dani Ride – “Drama Pop”
El tercer disco de Dani Ride presenta ante el público la versión más colorida y despampanante que el artista nacional haya mostrado antes a sus fans. Un LP que habla sobre la rotura de cadenas y la posibilidad de amar bonito sin importar los prejuicios del entorno. Mientras en “Infernodaga” ft. Mariel Mariel se separa de la crianza cristiana que tuvo en su niñez, señalando que el cielo sabe infernal, en “Sentirme Amante” logra conectar con el amor sincero y el miedo a expresarlo. Aunque, a gusto personal, “Duchita” es LA canción de Drama Pop; que si bien se sale de lo despampanante y feliz del disco, sus versos sobre sufrir y llorar en silencio en la ducha logran generar empatía con el auditor y transmitir plenamente lo que ella relata. El broche de final lo pone “Ya no más”, compuesta junto a Francisca Valenzuela y que deja relata cómo ya no hay disposición a esconder aquello que nos pertenece y lo que somos. Un disco que marca un antes y un después en su carrera, pues, como él mismo lo ha dicho, deja en él todos sus sentires que en algún momento oprimió. Por Hirenna Iribarren.
Natisú – “Hay un fuego”
Un disco subterráneo que venía avanzando silencioso para ver la luz este año, así es Natisú y su música, un misterio que cada cierto tiempo nos sorprende. Este 2021 fue finalmente la fecha para mostrar “Hay un fuego”, un disco que tardó en terminarse y que posteriormente pasó a ser producido por Iván González. Un sonido electrónico y noise, con ritmos y secuencias espaciales, como si fuéramos dentro de un cohete mirando el universo. La característica de la música de Natisú es que en ella vemos la diseñadora, la arquitecta, la constructora y la habitante de su propio hogar. Por lo tanto cada detalle que escuchamos en cada canción es parte de lo que ella quiere que escuchemos, por eso es tan importante detenerse en los detalles que nos entrega en los 35 minutos de escucha. El álbum cuenta con 9 canciones de las que destacamos “Paisaje”, “Hay un fuego”, “Amores” y la canción que cierra el disco “A las palabras que no vienen del invierno”. Espero que el trabajo de Natisú siempre tenga un lugar para mantener esa brasa prendida, porque ese fuego existe, arde, quema y protege todo lo que está en su interior. Por Francisca Sanhueza.
Mon Laferte – “Seis”
Si algo ha caracterizado a Mon Laferte durante su carrera musical es asumir desafíos distintos en cada disco. Así lo demostró en su sexto álbum de estudio, justamente titulado ‘Seis’, en que a través de 14 tracks abrazó los sonidos de México, esa patria que la adoptó hace más de 10 años. Corridos, ritmos norteños y mariachis se apoderan de esta placa donde queda claro que la voz de la cantautora viñamarina puede adaptarse fácilmente a cualquier estilo. Si bien singles como ‘Que se sepa nuestro amor’ con Alejandro Fernández, ‘La Mujer’ con Gloria Trevi y ‘Se me ve a quemar el corazón’ toman mayor protagonismo en esta producción, hay canciones no promocionales que valen la pena revisar, entre ellas ‘Te vi’, una emotiva dedicatoria para las madres solteras; y ‘La democracia’, inspirada en el estallido social de octubre de 2019. Por Cristóbal Galleguillos.
Ángelo Pierattini – “Soy un aprendiz”
Siete años tuvieron que pasar para Angelo Pierattini sacara un nuevo trabajo solista. El último fue el disco “Baila Dios”, sin dudas uno de sus puntos más altos en cuanto a propuesta sonora. A diferencia de aquel lanzamiento, en este álbum se siente una vibra de cantautor mucho más en la línea del folclor latinoamericano. Esto también se decora con la producción electrónica que le da una fuerza y frescura especial, de la mano de Pablo Stipicic. Y en lo lírico apunta a diversas vivencias bastante dolorosas del compositor, pero también poniendo mucha atención a las manifestaciones sociales de nuestro país.
“Soy un aprendiz” tiene frescura en lo sonoro, como también una gran honestidad en lo lírico. Y en cuanto a producción es realmente sobresaliente y si bien se puede relacionar a otros lanzamientos latinoamericanos que rescatan nuestras raíces, le brinda una perspectiva actual muy necesaria. Todo bajo el sello característico del autor en cuanto a su manera de cantar y de componer. Por Profesor Rayado.
Princesa Alba – “Besitos, cuídate”
Cuatro años después de su aparición en el Estadio Monumental, Trinidad Riveros estrenó en gloria y majestad su esperada primera placa. Las 11 canciones que hablan sobre sororidad, empoderamiento, amor y autoconocimiento nacieron en el block de notas de su celular y relatan procesos internos que vivió desde la creación del trabajo. Y las colaboraciones internacionales son fundamentales: con Pimp Flaco y Duda Beat, la artista apuntan a la internacionalización y se embarca en una aventura que suena en clave pop, pero que también incluye elementos del trap y R&B, así como el tan característico autotune que la ha acompañado desde “My only one”.
Así, con el feminismo como elemento central, el álbum no sólo es la consolidación musical de Riveros, sino también una palabra de aliento que rompe con estereotipos femeninos, sexuales y musicales. Por Makarena Sierra.
Fármacos – “Manual de una pérdida”
El esperado nuevo disco de Fármacos es un interesante ejercicio de autoreflexión que cautiva desde la primera escucha. Diego Ridolfi, que puede enorgullecerse por ser un adelantado a la tendencia de los sintetizadores con reminiscencias a los ’80 que hoy ocupan la primera línea del pop anglo, ofrece una muy bien trabajada secuencia de canciones que trata la sensualidad, el calor y la humedad abarcando todos sus extremos. “Manual de una Pérdida” es un disco luminoso de vocación nocturna pero sin perder la esencia intimista e introspectiva que caracteriza a su autor. Según reveló el chileno radicado en México, las letras fueron creadas como si se trataran de un mensaje de Whatsapp o un correo electrónico. Y la fórmula funciona. El tono confensional en las notables “Cuando hablo de ti” y “Esperar (II)” califican como obras atemporales dentro de su discografía debido a la universalidad de su mensaje y a la impecable producción que suena aún más sofisticada con cada nueva reproducción. Por Sebastián Leyton.
Phuyu y la Fantasma – “Anticuecas subterráneas”
El sonido de este álbum es garagero, a ratos ruidoso, el sonido de la banda es completamente en vivo y la performance es visceral, te da la sensación de estar en vivo desde la sala de ensayo. Pero a pesar de lo sucio y suelto, la ejecución guitarrera es realmente brillante, haciendo diversos arpegios con su guitarra los cuales están muy inspirados en los trabajos de Violeta Parra. Entonces, de una forma sorprendente, combina la soltura con la prolijidad de una forma super bien equilibrada.
Además, la innovación de interseccionar el garage rock con la cueca lo hace único en su especie. Este es para mi el gran logro de este proyecto. El empujar los límites de los dos géneros los cuales tienen décadas de historia, algo que es tremendamente difícil. Este disco es justamente el abrir la ventana a nuevas ideas por explorar. De aquí en adelante toca mirar cómo esto seguirá progresando. Por Profesor Rayado.
DrefQuila – “Claudito Sunshine”
La culminación de un 2021 en donde DrefQuila encontró su propia línea musical fue “Claudito Sunshine”. Un trabajo que en letras podría decirse que es romántico, pero que también le canta al éxito al ritmo de un reggaetón que solo Claudio Montaño (nombre real) podría inventar: una mixtura de ritmos urbanos propios del hip hop, afrobeat y trap que se cruzan con elementos con guitarras acústicas y trompetas para dar un sonido auténtico.
Esta exploración ya había tenido antesala en su álbum en vivo “Una flor en el cemento” (2021) y en su último lanzamiento confirma que el cantante no es sólo una figura más en la generación de traperos chilenos, sino que pisa con decisión para propagar un estilo que rompe con límites y descubre nuevas sonoridades. Por Makarena Sierra.
Denise Rosenthal – “Todas seremos reinas”
Denise Rosenthal lleva más de 10 años mostrándonos su carrera musical como solista y podemos decir que cada día tiene más autenticidad y sello propio. En “Todas seremos reinas”, su tercer álbum de estudio, encontraremos un poco de todo lo que conocíamos, pero un paso más allá, más osado y más seguro. El disco comienza con la frase del poema de Gabriela Mistral musicalizado y cantado como un hechizo y continúa con canciones poderosas que dan ganas de subirle el volumen a la radio y bailar, para sorprender con pasajes vocales de vez en cuando para devolvernos a la escucha de un disco más allá de todos sus singles si no como un todo.
Su forma de cantar bien suave y soulera se mezcla con los códigos del pop bailable y la melodía pegote. En este álbum podemos ir escuchando hit tras hit, los arreglos vocales hechos por la misma Denise son el sello que lo caracteriza y que se complementa con sus letras empoderadas y positivas. Las colaboraciones internacionales aportan al sonido y fuerza de este álbum y vienen de las españolas Mala Rodríguez y Lola Indigo, ambas comparten los track favoritos del álbum. “Todas seremos reinas” tiene más de 50 millones de reproducciones en Spotify y viene a sellar un gran momento para Denise Rosenthal como una de las reinas del pop chileno, en donde hace y deshace con lo que quiere crear y mostrar, finalmente se desmarcó de la televisión para construir su propio reino y compartirlo con todas las que quieran. Por Francisca Sanhueza.
Nando García – “Pirueta”
Fracasos, inseguridades y amor libre fueron temáticas abordadas en el primer disco de Nando García, artista que en 2020 nos sorprendió con el íntimo EP ‘Tripa o cable’. Para analizar esta placa es necesario dividir lo musical de lo lírico. Por una parte, existe un trabajo de producción que es importante resaltar y ahí tuvo mucho que ver Diego Ridolfi (Fármacos), quien produjo buena parte del material junto a García. En canciones como ‘Silaciu’, ‘No siempre es triste llorar’ o ‘Coraza’ se mezclan elementos orgánicos propios del folclor, pop tradicional y la cantautoría íntima que García suele poner en sus composiciones, sumado a la participación de artistas como Clara Löffel y Chini.png.
Por otra parte, está el poder de las palabras. Las letras. El músico construyó una narrativa cuidadosa que habla de vivencias personales, que recuerda el lado más acústico de artistas como Javier Barría, Sufjan Stevens o José González, tres nombres que han sido referentes para este joven artista que de seguro dará que hablar en los próximos años. Espérense no más. Por Cristóbal Galleguillos.
Mon Laferte – “1940 Carmen”
Como un disco hormonal e improvisado calificó Mon Laferte a su segundo disco de 2021, lanzado apenas siete meses después del aclamado “Seis”. Aún con el riesgo de ser opacado por el primero, “1940 Carmen” marca un punto de inflexión en la carrera de la viñamarina y abre nuevos horizontes en una discografía que no se caracteriza precisamente por la monotonía. La vibra despreocupada y optimista del disco retrata de una manera esperanzadora la estadía de Laferte en la costa oeste de los Estados Unidos, que, acompañada por teclados y guitarras que a ratos aportan interesantes pasajes oníricos, dan cuenta del buen momento personal y artístico de la cantante. Más que ser el disco de maternidad de Mon Laferte, “1940 Carmen” es uno de transición en el cual ni el embarazo ni el idioma son barreras para la particular cualidad de la cantautora por vivir en la constante experimentación hedonista. Por Sebastián Leyton.
Entrópica – “Sigma”
Dejemos en claro algo: el pop y la electrónica son una de las mejores combinaciones que se dan en este país. Siempre destacamos a Javiera Mena y Alex Anwandter, que se nutrieron del disco «Corazones» de Los Prisioneros. Pero no podemos dormirnos sobre los laures. Bajo la calidez que ellos han cultivado durante sus años de carrera han sido referentes de cientos de artistas, y entre ellos surge Entrópica, el proyecto de Francisca Bascuñán.
Veloz, de ritmos atrevidos y sintetizadores familiares, «Sigma» es un disco que toma elementos del trap y el hip-hop e para reinventar el electropop. Se trata de una excelente materia prima, pulida con la presición de los sintetizadores, y complementada con el apoyo de Sofia Oportot, C-Funk y Lainus, entre otros. Este séptimo LP brilla desde el futuro. Por Constanza Zúñiga.
Ceaese – “Tigre”
Si hay algo que Chile debería exportar eso es música y acá tenemos uno de los exponentes de música urbana que tiene material para sonar afuera y romperla. El 2018 nos regaló “Utopía” como uno de los discos del año y ahora nos presenta “Tigre”, su último disco que debería sonar en todas las fiestas del verano. El último disco de Felipe Arancibia aka Cease tiene todo lo que necesita un buen disco de trap, buenos temas, buenos feats y esa seguridad que traspasa los audífonos en las 18 canciones que lo componen. Es un álbum que sorprende en su estilo por su duración, casi una hora suena este larga duración, y por la cantidad de colaboraciones que tiene.
Este “Tigre” no viene solo y es que acá aparecen todos los amigos de Cease para cantar con él y hacernos bailar, todo el horóscopo chino se hace presente con Soulfia, Polimá Westcoast, Utópiko (su fiel productor), Poison Kid, Tom P, Harry Nach, Gianluca, Schuster, Bronkoyotte y más. Las canciones más fuertes son las que juegan con el desamor y el coqueteo, es que parece que Ceaese le sabe cantar a los corazones, es ahí donde siempre tiene la forma para decirlo en la forma en que te gusta escucharlo. Entre canción y canción encontramos distintos puntos altos como “Viene y va”, “Uwu”, “Control”, “Intercambio” y “Atrévete” todas listas y dispuestas para que les hagamos “Click” y las guardemos en las mejores playlist para bailar y llorar este caluroso verano 2022. Por Francisca Sanhueza.
